Punktem odniesienia jest koniec lat 90., gdy do atelier Chloé dołączył Edward Sexton, legendarny brytyjski krawiec. Znany z tego, że zmienił język męskich garniturów w latach 60. i 70., ubierał m.in. The Beatles oraz Micka Jaggera. W Chloé wniósł mocniejszą proporcję do garderoby, która już wtedy definiowała kobiecość bardziej zmysłową niż formalną.

Garnitur w nowej proporcji

W kolekcji Wiosna-Lato 2027 pojawiają się wydłużone marynarki, trzyczęściowe garnitury, krótkie kurtki o sylwetce klepsydry i mikro-płaszcze inspirowane jeździectwem. Wełna w szarym melanżu oraz białe prążki nadają całości wyraźny, klasyczny punkt ciężkości.

Jednak Kamali nie buduje wokół nich biurowego uniformu. Marynarki są zestawiane z wiązanymi kamizelkami, skróconymi topami inspirowanymi bielizną i lekkimi, miękko układającymi się elementami garderoby. Konstrukcja nie dominuje nad ciałem – raczej podąża za nim, pozwalając stylizacji zachować ruch i intymność.

Lekkość kontra dyscyplina

Obok wyraźnie skrojonych form pojawiają się satynowe halki, sukienki o bieliźnianym charakterze barwione już po uszyciu oraz transparentne tkaniny wykończone koronką. Pastelowe neutralne odcienie i kolory przypominające spłowiałe od słońca materiały zostają przełamane czernią oraz bielą. Czarne koronkowe pasmanterie nadają sylwetkom graficznego rytmu.

To właśnie w tym napięciu – między dyscypliną a spontanicznością, strukturą a miękkością – najpełniej wybrzmiewa język Chloé. Kobiecość nie jest tu wystudiowana ani nadmiernie dekoracyjna. Jest obecna w sposobie, w jaki tkanina pracuje, odsłania detal i pozwala ubraniu zachować niedopowiedzenie.

W duchu Deborah Turbeville

Wizualnym punktem odniesienia dla kolekcji są fotografie Deborah Turbeville – pełne przygaszonego światła, wnętrz oraz emocji, które nie potrzebują dosłownego wyjaśnienia. Jej obrazy rozpuszczały granicę między modą a nastrojem; bohaterki sprawiały wrażenie zawieszonych między wspomnieniem a rzeczywistością.

Ten sam klimat buduje kampania sfotografowana przez Briannę Capozzi. Zamiast jednej, zamkniętej narracji dostajemy zbiór sylwetek i stanów emocjonalnych. Wśród twarzy kampanii znalazła się m.in. Alexa Chung – postać, która od lat porusza się między klasycznym stylem a własną, nieoczywistą lekkością. Dla Chemeny Kamali powrót do historii Chloé nie oznacza rekonstrukcji. To raczej sprawdzenie, które elementy archiwum wciąż mają siłę działać dziś. Wiosna-Lato 2027 pokazuje, że garnitur może być zmysłowy, a romantyczna garderoba nie musi rezygnować z konstrukcji.

fot. materiały prasowe

The post Chloé wraca do garnituru. Ale nie rezygnuje z romantyzmu first appeared on OCZY.MAG.

Kampania „Second Nature”, stylizowana i reżyserowana przez Ackermanna, rozwija platformę „Natural Intelligence”. Jej idea jest prosta: pewności w kontakcie z sezonem nie daje sama teoria ani najdokładniejsza prognoza. Buduje ją doświadczenie – kolejne chłodne poranki, znajomość własnego miasta, sposób, w jaki instynktownie wybieramy warstwy przed wyjściem z domu.

Sezon, który zna się z doświadczenia

„Second Nature” nie opowiada o jednej zimie. Jesień i chłód są uniwersalne, ale w Madrycie, Nowym Jorku czy Warszawie mają zupełnie inne tempo, światło i temperaturę. Canada Goose wykorzystuje tę różnicę jako punkt wyjścia do kolekcji o szerszym niż dotąd zakresie: od lekkich form przejściowych po cięższe puchowe sylwetki, akcesoria, dzianiny i obuwie.

To kierunek, który odchodzi od wizerunku kurtki jako sprzętu wyłącznie na ekstremalne warunki. W interpretacji Ackermanna odzież wierzchnia staje się elementem stylizacji — odpowiedzialnym za proporcję, fakturę i charakter całego looku.

Puch, polar i bardziej miejska energia

Pierwsza część sezonu stawia na polary o wyraźnie młodszym charakterze, nowe kolory oraz zestawienia typu colour-blocking. W dzianinach, koszulach i lekkich puchowych formach pojawiają się kraty, nadruki oraz nostalgiczne grafiki. Kolekcja czerpie z kodów stylu college’owego, ale nie zatrzymuje się na dosłownym cytacie: sportowa wygoda spotyka tu bardziej dopracowaną, miejską sylwetkę.

Ważną rolę odgrywają materiały. To one mają przyciągać uwagę przy drugim spojrzeniu: miękkość dzianiny, ciężar puchu, struktura polaru czy kontrast między techniczną powierzchnią a bardziej klasycznym krojem. W garderobie na chłodniejsze miesiące to właśnie takie detale decydują o tym, czy ubranie jest jedynie praktyczne, czy zostaje z nami na dłużej.

Kolejne rozdziały zimy

W późniejszej części sezonu Canada Goose wprowadzi puchowe kurtki i kamizelki z rodzin Sterling oraz Fallon. Następnie kolekcja przejdzie w etap Après-Ski i Holiday, gdzie pojawią się inspiracje estetyką Zachodu — przetworzone w cięższych puchowych propozycjach, polarach i ubraniach codziennych.

Ten podział dobrze oddaje sposób, w jaki dziś myślimy o zimowej szafie. Nie potrzebujemy jednego uniformu na cały sezon. Potrzebujemy ubrań, które działają w ruchu między domem, pracą, podróżą i weekendem poza miastem — bez konieczności rezygnowania z własnego stylu.

Bez futra, z nową fakturą

Marka pozostaje fur-free. W wybranych modelach, w tym parkach Aren, Shelburne i Louise, pojawiają się syntetyczne wykończenia imitujące futro. Zostały wykonane z materiałów pochodzących z recyklingu, m.in. poliestru i tworzyw z butelek po konsumpcji.

To detal, który nie ma być jedynie deklaracją. W kolekcji Ackermanna miękkość i objętość sztucznego futra stają się także narzędziem budowania sylwetki – wizualnym kontrapunktem dla technicznych tkanin i konstrukcyjnej precyzji puchowych kurtek. Canada Goose proponuje nauczyć się go na nowo: przez warstwy, faktury i ubrania, które pozwalają wyjść w chłód z większą swobodą. Zima ma tu nie tyle ustąpić, ile wreszcie zacząć działać na własnych zasadach.

The post Zima nie musi być trybem przetrwania. Haider Ackermann redefiniuje Canada Goose first appeared on OCZY.MAG.

Teren jako moodboard

Brian SS Jensen, Creative Director Wood Wood, mówi o pracy nad kolekcją z perspektywy osoby odwiedzającej nordyckie wyżyny po raz pierwszy. Kolory, cisza i niespodzianki kryjące się w krajobrazie stały się dla zespołu projektowego punktem wyjścia.

Efekt przypomina zapis terenowej wyprawy. Tradycyjne tartany zostały przefiltrowane przez nordycki język marki, a obok klasycznych form pojawiają się elementy outdoorowe, fakturowe okrycia wierzchnie i wersje z polaru.

Dziedzictwo, ale nie kostium

Główna linia rozwija motyw podróży i wzgórz przez wełniane płaszcze, artystyczne kraty, dzianiny i techniczne puchówki. Sylwetki pozostają wydłużone oraz swobodne. To ubrania stworzone z myślą o ruchu, ale dalekie od dosłownej odzieży trekkingowej.

Sezon definiują obszerne płaszcze, pikowane krótsze kurtki, dwukolorowe swetry oraz skórzane kurtki z kołnierzem z shearlingu, odwołujące się do lat 70. Ważną rolę odgrywa też denim: nowy prosty fason z lekkim rozszerzeniem nogawki, bardziej przetarte kroje o klasycznym charakterze i cięższe, luźne modele.

Kolor, który nie udaje natury

Paleta nie kopiuje krajobrazu jeden do jednego. Sosnowa zieleń, ziemiste brązy i sprane śliwkowe tony spotykają się z jasnym różem, wyrazistym fioletem i intensywną oliwką. Kamuflaż pojawia się w nieoczywistych odcieniach fioletu i brązu.

Głębię budują materiały: bouclé, mieszanki z alpaką, odświeżony seersucker, sztywniejsza bawełna, sztruks, włoskie tkaniny i techniczne poliestry. Wood Wood nie buduje więc surowego outdooru, lecz kolekcję, w której funkcja idzie w parze z wyraźnym, miejskim stylem.

Radio Silence i młodsza energia Double A

Nowa warstwa graficzna kolekcji opiera się na dwóch hasłach. „Radio Silence” odwołuje się do leśnej ciszy i amatorskiej komunikacji radiowej. „Chasing Views” jest z kolei komentarzem zarówno do pasji odkrywania nowych widoków, jak i do internetowego głodu zasięgów.

Linia Double A interpretuje „Field Studies” w bardziej uliczny sposób. Pojawiają się w niej kraty i zderzane wzory, ciężkie bawełniane dzianiny, overshirty inspirowane koszulami drwali oraz nylonowe kurtki typu coach jacket. Dwie nowe sylwetki spodni — pięciokieszeniowy fason barrel i prosty model z ciężkiego płótna – poszerzają ofertę, a dodatki z nylonu wzmacniają funkcjonalny kierunek kolekcji.

Wood Wood Jesień-Zima 2026/2027 pokazuje, że miejska garderoba nie musi udawać życia w naturze, aby czerpać z niego inspirację. Wystarczy potraktować krajobraz jako materiał do obserwacji – pełen koloru, faktury i historii, których nie da się od razu odczytać.

The post Cisza, tartan i fioletowy kamuflaż. Wood Wood rusza w teren w kolekcji Jesień-Zima 2026/2027 first appeared on OCZY.MAG.

To opowieść o ubieraniu się do wyjścia i o stopniowym zdejmowaniu warstw po powrocie. Nie jako geście rezygnacji z siebie, ale jako zgodzie na wrażliwość.

Publiczna forma, prywatna prawda

Punktem wyjścia jest kontrast między kontrolą a swobodą. Carven buduje kolekcję na napięciu: męskie spotyka kobiece, dopracowane – organiczne, ostre – zmysłowe, a wyraziste — delikatne.

Sylwetki nie próbują rozstrzygać tych przeciwieństw. Raczej pozwalają im współistnieć. Właśnie w tej przestrzeni między pewnością siebie a odsłonięciem kryje się główny charakter kolekcji.

Inspiracje Albersami

Wizualny punkt odniesienia stanowią subtelne akwarele Josefa Albersa oraz bogactwo tekstyliów Anni Albers. To inspiracje, które kierują uwagę ku kolorowi, fakturze i relacji między precyzją a ręcznym gestem. Kolekcja korzysta z tych skojarzeń bez dosłowności. Chodzi raczej o sposób odczuwania materiału: o miękkość, strukturę i formę, która może być jednocześnie zdyscyplinowana oraz emocjonalna.

Biżuteria jak osobisty znak

Rzeźbiarska biżuteria i organiczne detale przypominające talizmany wprowadzają do kolekcji bardziej osobisty wymiar. Nie są wyłącznie dodatkiem do stylizacji – mają przywoływać pamięć, dawać poczucie ukojenia i podkreślać wewnętrzną siłę.

Kolekcja Wiosna-Lato 2027 od Carven nie oferuje jednej definicji kobiecości. Zamiast niej proponuje garderobę dla osoby, która nie musi wybierać między mocą a kruchością — i znajduje własną elegancję dokładnie tam, gdzie te dwie cechy się spotykają.

The post Carven Wiosna-Lato 2027: Rozbieranie kobiecości z pozorów first appeared on OCZY.MAG.

Absolwenci programu magisterskiego Fashion, Clothing and Textiles – New Landscapes for Change zaprezentowali swoje kolekcje jako finał studiów, ale przede wszystkim jako pierwsze wyraźne deklaracje twórcze.

Tożsamość, relacje i nadzieja

W projektach powracały tematy tożsamości, przynależności, niepewności i nadziei. Wspólny pokaz nie ujednolicił tych perspektyw – przeciwnie, pozwolił wybrzmieć różnicom między nimi. Projektanci używają mody jako narzędzia do rozpoznawania własnego miejsca w świecie. Interesują ich kultura, relacje, wspólnota i współczesne napięcia społeczne, ale też osobiste doświadczenia, które wpływają na sposób projektowania.

Rzemiosło nie jest tu dodatkiem

Na wybiegu pojawiły się ręcznie tworzone tkaniny, odważne printy, eksperymenty z tekstyliami, dzianiną i tkactwem. Ważną rolę odegrała również precyzyjna praca z kolorem, osiągana dzięki ręcznemu barwieniu materiałów.

To efekt połączenia studiów z zakresu krawiectwa i tekstyliów z wcześniejszym doświadczeniem branżowym. Każda z 14 kolekcji buduje własny język, ale wszystkie traktują materiał jako nośnik znaczenia — nie tylko środek do stworzenia sylwetki.

Lokalność jako osobista opowieść

Choć przez ostatnie dwa lata Kopenhaga była wspólnym miejscem pracy absolwentów, ich perspektywy kształtowały się w Myanmarze, Niemczech, Finlandii, Danii i Chinach – zarówno w środowiskach miejskich, jak i poza nimi. Wiele projektów podejmuje temat lokalności, korzystając z materiałów, umiejętności i historii zakorzenionych w rodzinnych kontekstach twórców. Dzięki temu pokaz nie opowiada o modzie jako jednym globalnym języku, lecz o wielu równoległych językach, które mogą spotkać się na jednym wybiegu.

Pokaz w ramach Copenhagen Fashion Week był dla absolwentów Royal Danish Academy momentem przejścia między edukacją a samodzielną praktyką. Marcus Aminaka Wilmont, Head of Programme Fashion, Clothing and Textiles – New Landscapes for Change, zwraca uwagę na wysoki poziom akademicki i kreatywny projektów oraz różnorodność podejść obecnych w tegorocznej grupie.

The post 14 kolekcji, wiele światów. Nowe nazwiska Royal Danish Academy na CPHFW first appeared on OCZY.MAG.

Rzemiosło jako punkt wyjścia

W świecie mody, który coraz częściej przyspiesza, kolekcje absolwenckie SAFD przypominają o wartości procesu. Studenci pracowali z konstrukcją, materiałem i formą w sposób bezpośredni, budując własny język projektowy na solidnych podstawach technicznych.

Ich doświadczenie rozwijały współprace z twórcami i domami mody, m.in. Dilarą Findikoglu, Iris van Herpen, Bless oraz Threeasfour, a także z projektantami duńskich studiów i ekspertami branżowymi.

Papier, technologia i to, czego nie da się zastąpić

Jedna z kolekcji wykorzystuje tradycyjną japońską technikę kamiko i pracuje z surowym papierem, podważając przekonanie, że ubranie zawsze powinno być trwałe. Inna przygląda się napięciu między postępem technologicznym a wartością ludzkiej pracy. To projekty, które nie traktują innowacji bezkrytycznie. Zamiast tego pytają, co może zniknąć, gdy cyfrowe narzędzia coraz silniej wpływają na proces twórczy — i jaką rolę w projektowaniu nadal powinny odgrywać ręce, doświadczenie oraz materiał.

Materiał poza oczywistym zastosowaniem

Kolekcje powstawały poprzez eksperyment. Airbrush, formowanie skóry, filcowanie, tkanie i nowe zastosowania materiałów zostały wykorzystane poza ich utartymi funkcjami. Efektem są nieoczywiste faktury, powierzchnie i sylwetki.

Część projektów wraca do historycznych technik i tradycji ubioru, inne wynikają z obserwacji współczesności. Razem tworzą portret pokolenia projektantów, które nie wybiera między ideą a wykonaniem. Pokazowi towarzyszyła instalacja wideo, łącząca 27 indywidualnych kolekcji w jedną prezentację. To nie tyle podsumowanie edukacji, ile pierwsze publiczne wejście nowych nazwisk w obieg mody.

fot. materiały prasowe

The post Pokaz dyplomowy SAFD: Moda nie musi być ćwiczeniem first appeared on OCZY.MAG.

Ogród jako punkt wyjścia

Ogród Carla Jacobsena nie został potraktowany jedynie jako efektowna lokalizacja pokazu. Jego uporządkowane ścieżki, dzika roślinność i architektoniczne detale stały się punktem wyjścia dla sylwetek, które balansują między kontrolą a swobodą. OpéraSPORT przygląda się wzrostowi jako procesowi jednocześnie naturalnemu i celowemu. Formy powracają, zmieniają się i nabierają nowych znaczeń. Podobnie jak rośliny, które przez lata kształtują krajobraz ogrodu.

Między ostem a rododendronem

W kolekcji wyraźnie zaznacza się kontrast między odpornością a kruchością. Z jednej strony pojawiają się ostre, rzeźbiarskie elementy i dopracowane krawiectwo. Z drugiej – płynne drapowania, delikatne faktury oraz materiały podążające za ciałem.

Warstwy transparentnych tkanin i koronki odsłaniają i chronią jednocześnie. Bezszwowe prążkowane dzianiny zapewniają ruch, a sukienki z drapowaniem, warstwowe topy, spódnice o rzeźbiarskiej formie oraz tkaniny 3D budują garderobę pomyślaną jako zmienną, nie statyczną.

Kolory z ogrodu

Paleta kolekcji „Growth” odwołuje się bezpośrednio do roślinności: miękkiej zieleni, jasnych kwiatowych tonów inspirowanych rododendronami oraz przygaszonych neutralnych barw. Całość kontrastują głębsze odcienie ziemi i mocniejsze akcenty nawiązujące do łodyg ostu. Pokaz w ogrodzie pozwolił tym kolorom i fakturom wybrzmieć bez dodatkowego komentarza. Architektura, zieleń i naturalne światło stały się częścią narracji – od oszczędnych, kontrolowanych sylwetek po bardziej ekspresyjne i obszerne formy.

OpéraSPORT nadal pracuje z materiałami z recyklingu i organicznymi, rozwijając odpowiedzialne podejście do produkcji bez rezygnowania z dopracowanej estetyki. Kolekcja Wiosna-Lato 2027 nie odchodzi od DNA marki, ale wyraźnie wzmacnia jej architektoniczny kierunek. Kolekcja OpéraSPORT Wiosna-Lato 2027 trafi do sprzedaży online i do sklepów w lutym 2027 roku.

The post OpéraSPORT pokazuje, że moda może rosnąć we własnym tempie first appeared on OCZY.MAG.

Między konstrukcją a miękkością

Punktem wyjścia dla H&M Studio Essentials Jesień-Zima 2026/2027 jest napięcie między klasycznym męskim krawiectwem a bardziej zmysłowymi elementami. W kolekcji pojawiają się wełniane marynarki o mocniej zaznaczonych ramionach i talii, spodnie typu bootcut oraz płaszcz z wysokim kołnierzem i paskiem. Obok nich znalazły się miękkie dzianiny, koszulowe formy z bawełnianej popeliny i sukienka slip dress z transparentnym tiulem przy dekolcie i u dołu. To nie są projekty nastawione na jednorazowy efekt — ich siła leży w detalach i możliwości budowania wielu stylizacji.

Materiały, które robią różnicę

Wełna, kaszmir, skóra, kożuch, jersey i popelina tworzą paletę o wyraźnej fakturze. Minimalistyczne sylwetki mają dzięki nim więcej głębi, a drobne rozwiązania – widoczne szwy, rozcięcia przy wysokich kołnierzach czy zatrzaski – nadają kolekcji wyraz. Kolory pozostają spokojne i łatwe do zestawiania: czerń, ciemny brąz, przydymiona zieleń, złamana biel oraz łupkowy błękit. To garderoba dla osób, które zamiast sezonowych impulsów wolą świadomie kompletować rzeczy wokół kilku mocnych elementów.

H&M Studio Essentials: baza z własnym zdaniem

Ann-Sofie Johansson, Creative Advisor i Head of Design Womenswear w H&M, podkreśla, że kolekcja ma odpowiadać na potrzebę ubrań, które sprawdzają się za każdym razem. I właśnie to najlepiej oddaje jej charakter: wyraźnie skrojona, ale nie sztywna; kobieca, choć daleka od dosłowności.

H&M Studio Essentials Jesień-Zima 2026/2027 trafi do wybranych sklepów i na hm.com 3 września 2026 roku.

The post Garderoba z charakterem. H&M Studio Essentials Jesień-Zima 2026/2027 między Mediolanem a współczesnością first appeared on OCZY.MAG.

Ogród zamiast wybiegu

Scenografia nosiła nazwę „In Thom’s Garden”. Przestrzeń wypełniło 400 donic z kwiatami wykonanymi z seersuckera – materiału, który od lat kojarzy się z letnią elegancją. Pokaz rozpoczęli ogrodnicy pielęgnujący rośliny, a cała kompozycja została ułożona w geometryczną siatkę nawiązującą do neoklasycznej architektury pałacu.

Był to pierwszy pokaz marki Thom Browne w Mediolanie i jednocześnie powrót projektanta do Włoch po raz pierwszy od 2008 roku. Sam Browne określa kolekcję jako odświeżenie swojej tożsamości i nową interpretację amerykańskiego stylu preppy.

Lżejsze krawiectwo i letnie materiały

Choć Thom Browne pozostaje wierny swojemu charakterystycznemu krawiectwu, tym razem nadał mu znacznie lżejszy charakter. W kolekcji pojawiły się marynarki bez podszewki, krótkie marynarki z krótkim rękawem, płaszcze bez rękawów oraz swobodne sylwetki zachowujące klasyczne proporcje.

Projektant wykorzystał między innymi cienką wełnę w kratę windowpane, techniczny seersucker, bawełniane tkaniny o otwartym splocie, wełniane pikowane materiały, kaszmir o zmniejszonej gramaturze oraz kolorowe kraty madras. Obok charakterystycznych dla marki odcieni szarości, granatu, bieli i czerwieni pojawiły się również żółcie, zielenie, róże oraz błękity, podkreślające letni charakter kolekcji.

Natura jako motyw przewodni

Najbardziej wyrazistym elementem kolekcji były dekoracje inspirowane światem owadów i roślin. Haftowane trzmiele wspinały się po plastrach miodu, żaby pojawiały się na liściach lilii wodnych, a ważki, świerszcze i mrówki zdobiły marynarki, płaszcze oraz dodatki.

Kolekcja wykorzystuje także skomplikowane techniki haftu, ręcznie malowane kraty, patchworki i aplikacje, które mają symbolizować cykliczność natury oraz upływ czasu. Nawet charakterystyczne lamówki Thom Browne zostały celowo postarzane, aby sugerować naturalne zużywanie się ubrań przez kolejne pokolenia.

Kultowe kody marki w nowej odsłonie

Pomimo sezonowych eksperymentów kolekcja pozostaje natychmiast rozpoznawalna jako dzieło Thom Browne. Obecne są charakterystyczne opaski na rękawach, czerwono-biało-granatowe taśmy grosgrain, klasyczne koszule z odpinanymi kołnierzykami i mankietami oraz lekkie swetry z cienkiej bawełny.

Uwagę zwracają również dodatki. Modelom towarzyszyły szerokie słomkowe kapelusze typu boater, transparentne woalki inspirowane kapeluszami pszczelarzy oraz jedwabne krawaty w paski. W kolekcji znalazły się także lekkie trencze z Cordury, techniczne parki, seersuckerowe płaszcze samochodowe oraz skórzane kurtki motocyklowe w odcieniach szarości.

Finał pokazu przyniósł całkowite przejście do bieli. Ostatnia sylwetka – panna młoda w bawełnianym garniturze ozdobionym perłami i tiulowym welonem – symbolicznie zamknęła opowieść o odradzającej się przyrodzie. To obraz, który podkreśla główną ideę kolekcji: klasyczne męskie krawiectwo może zachować swoje DNA, jednocześnie stając się lżejsze, bardziej swobodne i gotowe na kolejny sezon.

The post Thom Browne wraca do Mediolanu. Ogród, owady i nowe spojrzenie na klasyczne krawiectwo first appeared on OCZY.MAG.

Rodzinna marka jubilerska, obecna na rynku od 35 lat, wprowadza linię pierścionków, kolczyków i naszyjników z diamentami tworzonymi w warunkach laboratoryjnych. Kolekcja LAB nie zastępuje klasycznej oferty opartej na naturalnych kamieniach. Poszerza natomiast język marki o bardziej współczesną, trendową odsłonę.

ACLARI pozostaje przy jubilerskiej precyzji i dopracowanej estetyce, ale kieruje uwagę ku temu, jak obecnie nosimy biżuterię. Mniej formalnie, bliżej codzienności i własnego stylu.

Diamenty w codziennym stylu

Punktem wyjścia kolekcji jest emocjonalne znaczenie biżuterii. Diament może przypominać o ważnej decyzji, nowym etapie, relacji lub po prostu o momencie, w którym wybieramy coś wyłącznie dla siebie.

W kolekcji LAB pojawiają się nowoczesne formy oraz szlify inspirowane aktualnymi trendami. Wśród odniesień marka wskazuje między innymi estetykę pierścionka zaręczynowego Hailey Bieber — jednego z najmocniej komentowanych modeli we współczesnej biżuterii bridal.

Premiera w Raffles Europejski Warsaw

Kolekcję zaprezentowano podczas kameralnego wydarzenia w hotelu Raffles Europejski Warsaw. Goście mogli zobaczyć zarówno nową linię LAB, jak i klasyczną kolekcję ACLARI Diamonds opartą na naturalnych kamieniach. Kolekcja ACLARI Diamonds LAB proponuje inne spojrzenie na diamenty: nie jako element zarezerwowany wyłącznie na ważne okazje, lecz jako część stylizacji i codziennego rytuału. To kolekcja dla osób, które szukają w biżuterii nie tylko efektu, ale także własnego znaczenia.

The post Diamenty, ale na dziś. ACLARI Diamonds prezentuje kolekcję LAB first appeared on OCZY.MAG.